Ich hingegen werde den Teufel tun und zuviel über Lars von Triers neuen Film verraten. Vielleicht nur soviel zur Handlung: Frau (Charlotte Gainsbourg) und Mann (Willem Dafoe) gehen sich zunächst wollüstig an die Wäsche, später geraten sie sich vehement in die Wolle. Anlass bildet der Tod des gemeinsamen Sohnes, über den beide trauern, aber die Frau wird mit der Schuld nicht fertig. Der Mann als „Psychologe“ beschließt, sie selbst zu therapieren. Diese Vereinnahmung seiner Frau wird ihm vom Zuschauer zunächst nicht gerade mit Symphatie quittiert. Aber das wird noch zu seinen Gunsten umkippen, spätestens dann, wenn es brutal wird.

Von Triers Film dreht sich nur um diese beiden Personen und er wirkt von Anfang an schwer bedrückend. Keine leichte Kost für Leute mit Hollywood-Sehgewohnheiten also. Aber das ist von diesem Regisseur auch nicht anders bekannt. Hinzu kommt aber, dass er gekonnt mit den typischen Horror-Effekten arbeitet: Dunkles Licht, hämmernde bis kreischende Soundcollagen, das alles verstärkt diese Bedrückung noch. Hinzu kommt, dass der weitestgehende Teil des Films in einem Wald spielt, bei dessen Entwurf Caspar David Friedrich und Tim Burtons Gestalter des Waldes aus „Sleepy Hollow“ zusammengearbeitet haben könnten.

Einzelne der Gewaltszenen habe ich so noch nicht einmal in Splatterfilmen gesehen. Immerhin in diesem Punkt tut Kehlmann gut an seiner Zurückhaltung, wenn er schreibt: „ [...] er [Anm.: der Film]enthält eine Verstümmelungsszene, die man, hat man sie gesehen, lieber nicht gesehen hätte, [...]“.

Im Anschluss habe ich überlegt, was für Lesarten der Film zulässt. Diejenigen, die ihn bereits gesehen haben, können mir eventuell zustimmen, dass er durchaus Provokationen an die Adresse von Feministinnen enthält. Schließlich wird die Frau dort so dargestellt, als sei sie innerlich zerrissen und dass es in der Vergangenheit durchaus seine Berechtigung hatte, wenn sie unterdrückt wurde. Wie geschrieben: Als Provokation. Ich bin gespannt, was die Emma dazu schreiben wird, wenn sie es tut.

Dann fiel mir aber auf, dass es noch einen ganz anderen Ansatz gibt. Zu Beginn erlebt die Frau nämlich die wirrsten, waberndsten Albträume, die sie sich nicht erklären kann. Der Mann unternimmt einen Versuch, indem er sie fragt, wovor sie am meisten Angst habe. Er wollte ihre Ängste anhand einer Pyramidengrafik einordnen. Doch die Antwort darauf fiel ihr schwer. Am meisten Angst! Wovor denn?

An der Stelle fing ich auch an zu überlegen. Wovor hab ich denn am meisten Angst? Vor dem Tod? Vielleicht. Aber, ehrlich gestanden, weiß ich das nicht so genau.

Und: Muss man das überhaupt wissen? Damit man Ängsten besser aus dem Weg gehen kann? Oder soll man sich gerade mit ihnen konfrontieren?

Link:
Imdb.de – Antichrist

(Bild: katutaide, Lizenz)

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Ich mag ja diese beiden. Mal schauen ob ich davon was bestelle, wenn die Weltwirtschaftskrise zu Ende ist:

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Es ist wohl wenig übertrieben, wenn ich behaupte, dass Filme wie „The Breakfast Club“, „Ferris macht blau“ oder „Pretty in Pink“ als filmische Ikonen wie kaum andere das Gefühl meiner Generation gespiegelt und geprägt haben.

Und so stehen wir traurig am Zaun des Football-Feldes der „Shermer High School, Shermer, Illionois“*, hören Simple Minds und strecken unsere Faust in die Sonne. Denn:

John Hughes ist tot.

Danke. We won’t forget about us.

Statt Blumen habe ich mir dann endlich „The Breakfast Club“ bei Amazon bestellt.

*) Die „Brians“ unter Euch mögen sagen: Aber, aber, aber das ist doch das Football-Feld der „Glennbrook North High“. Die möchte ich fragen: „Hat Deine Mutter Deinen Kinderarzt geheiratet?”

Bild-Quellen: Some Kind of Nostalgia und DVDActive

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Nachdem der Brohm uns Unwürdige bereits mit dem Begriff Saddlebacking dienlich war, kann ich euch heute auch mal zur Aufklärung der Massen beitragen. Oder bin ich der einzige, dem der Begriff Donkey Punch eben das nicht war?

Entdeckt habe ich das Wort zum einen im Filmtitel, zum anderen im Apple-Trailer zum Thriller Donkey Punch, in dem man ungefähr erahnen kann, dass die Protagonistin an den Folgen eines Donkey Punchs stirbt (Apple selbst spricht auf der Beschreibungsseite nur verschämt von einem Freak-Accident), und das dieser irgendwas versautes sein muss erkennt man an der sexuell aufgeheizten Flirterei im Apple-Trailer zzgl. der Frage, ob sie denn Hardcore sei (sie sei es, antwortet sie).

Und da habe ich behütet aufgewachsenes Kind mich natürlich gefragt: WTF ist ein Donkey Punch? Natürlich hilft uns Wikipedia weiter:

Donkey punch is a slang term for an apocryphal and potentially lethal sexual practice supposedly performed during anal sex. The purported practice involves the penetrating partner punching the receiving partner in the back of the head or neck (what is known in boxing as a rabbit punch, after a technique to kill rabbits) allegedly causing the receiving partner’s anal passage to tense up and increase the pleasure of the penetrating partner. When used, the donkey punch is almost exclusively executed during or just before the orgasm of the penetrating partner.

Für alle des Lesens nicht mächtigen liefert Wikipedia direkt eine erklärende Zeichnung dazu, die mich ein wenig an die Szene aus American Psycho erinnert, in der Christian Bale Wots-her-name schön doggystyle nimmt (ungefähr Minute 4:12 im YouTube-Video) und dabei seine Muckis im Spiegel betrachtet und da fragt man sich natürlich, ob sie den Donkey Punch einfach rausgeschnitten haben.

Naja, egal. Wieder was dazugelernt. Donkey Punch.

Zum Trailer

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Dabei wird eine Inhaltsangabe diesem Kleinod auf Zelluloid nicht gerecht. Denn die Synopsis – ein Hollywood-Stuntman besticht ein fünfjähriges Mädchen mit einer Märchenerzählung rund um unerfüllte Liebe und Rache um an Morphium zu kommen, wobei sich Fantasie und Realität immer mehr vermischen und immer mehr Personen und Ereignisse aus der realen Umgebung in die Erzählung einfließen, bis die Geschichte davon völlig absorbiert wird – kann nicht annähernd widerspiegeln, was den Zuschauer bei diesem Fest der Sinne erwartet.

Eine Szene aus "The Fall"

“The Fall” wurde in über 20 Ländern gedreht und zeigt Locations – Landschaften wie Gebäude – die man so nie oder selten auf der Leinwand portraitiert gesehen hat. Nicht nur einmal erinnerten mich Einstellungen an Fotografien von Yann Arthus Bertrand oder Andreas Gursky. Dabei ist das Tadj Mahal das einzige wirklich weitflächig bekannte Gebäude in dem Film, wenn man mal von Octopussys Palast oder der Karlsbrücke absieht, die ebenfalls vorkommen. Klar, manches kommt einem bekannt vor, aber die Art und Weise, wie Tarsem Singh Erzählung und Lokationen miteinander verwebt ist atemberaubend und lässt einem bei jeder neuen Einstellung noch benommener im Kinosessel zurück. Egal, ob ein Sonnenuhr-Labyrinth, das Lamayuru-Kloster, eine unfassbare Treppenmauer, die faszinierende blaue Stadt oder das größte Tor der Welt in Indien – Singh schafft Bilder die hängen bleiben und selbst dem notorisch misanthropischen Filmkritiker Schmolli die Sprache verschlagen (vergleicht obige Bilder mal mit Stills aus dem Film). Klar, man kann Singh filmische und erzählerische Taschenspielertricks vorwerfen – aber ist verzaubert werden nicht genau das, was man von Kino erwartet?

Und genialerweise vergisst der Regisseur bei aller Liebe zur filmischen Opulenz das Erzählen nicht. Und das macht er auf eine sehr bezaubernde Art und Weise mit exzellenten und – vor allem in der Gestalt der jungen Laiendarstellerin – herzzereißenden Mimen. Letztendlich ist die Geschichte ein altmodisches Märchen, erzählt mit der Technik von heute und – das fast Wichtigste – der richtigen Prise Humor an den absolut richtigen Stellen, die jedwedem Kitsch vorbeugen und dafür sorgen, dass die schlechteste mir an diesem Abend zu Ohren gekommene Kritik “interessanter Film” lautete. Kurz: “The Fall” ist ein Meisterwerk, und hätten wir nicht erst Februar würde ich mich durchaus aus dem Fenster lehnen und “Film des Jahres” proklamieren. “The Fall” – eine wunderbare Fabel über die Macht der Erzählung und die Schönheit dieses Planeten. Und jetzt schaut euch den Trailer an und lasst euch anteasen:

Zum Trailer auf YouTube

P.S. Natürlich gab es auch eine Show vorab. Aber SCHMITTI mag mir angesichts dieses atemberaubenden Films verzeihen, dass der Teil diesmal zu kurz kommt. Unterhaltsam war’s allemal. Vor allem die arbeitslose Polin. Kennt ihr noch “We are unemployed, happy happy unemployed”? Genau so!

(Bild aus The Fall von blueelephant)

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In dieser neuen Kategorie „Feine Filme“ wollen wir Filme vorstellen, die im üblichen Blockbuster-Rauschen schnell mal untergehen, die aber doch sehr fein sind. Filme, mit denen man ein schönes Wochenende beschließen kann. Filme, die man einfach in den Arm nehmen möchte. Filme, ach: Die einfach Lust machen, sie immer wieder mal zu schauen, wenns draußen graupelt.

Heute: Elizabethtown

Deutscher Trailer
Englischer Trailer
Infos auf IMDb

Elizabethtown (bei Amazon kaufen) ist so ein Film. Eine ganz normale, leise erzählte Home-Coming-Story über einen Drew (Orland Bloom), der nach einem „Fiasko“ von seinem Boss gefeuert von seiner Familie den Auftrag bekommt, den toten Vater aus Elizabethtown, Kentucky nach Hause nach KalifornienOregon zu holen.

Dabei lernt er nicht nur die bekloppt-sympathische Familie seines Vaters sowie die wundervolle Claire (Kirsten Dunst, hach!) kennen sondern auch ansonsten allerlei wichtige Dinge über das „Sohn sein im 20. Jahrhundert“, das Leben. Eine Geschichte, wie sie schon dutztendemal erzählt wurde. Aber selten so kurzweilig und schön wie in „Elizabethtown“.

Ganz klar: Eine Blogboys-Empfehlung.

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“Scheiß auf Inhalte, ich will Blut sehen”

Ach nee, das war was anderes…

*) Wobei Ben Affleck schon einen sehr derben Minuspunkt darstellt…

**) Wobei der Monolog von Drew Barrymore am Ende schon garnicht so schlecht ist und Dating im 21. Jahrhundert treffend beschreibt:

“You’ve got to check all these different portals just to get rejected by seven different technologies”

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Die Blogboys haben weder Kosten (2 Dollar) noch Mühen (mehrer Klicks) gescheut, und sich den Pilot der Serie mittels des amerikanischen iTunes Stores schon einmal für Euch angesehen und ich fasse hier meine Eindrücke zusammen. Doch eines nach dem anderen. Zuerst einmal zu den Voraussetzungen.

Terminator 3? Ach du: Scheiße!

Denn die direkten Voraussetzungen für die Serie könnten besser sein. Waren sowohl der originale „Terminator“ und sein legitimer Nachfolger „Terminator 2 – Tag der Abrechnung“ noch Meilensteine der Action-Kino-Geschichte, war spätestens nach dem Ausstieg des Terminator-Erschaffers James Cameron und mit Teil 3 „Terminator 3 – Rebellion der Maschinen“ der Drops gelutscht. Ein völlig uninspiriertes B-Movie mit zweitklassigen Darstellern und drittklassigen Special-Effects konnte dem Charme seiner Vorgänger nicht gerecht werden. Zumindest nicht bis gut zur Hälfte des Films. Ob es danach noch besser wird, weiß ich nicht. Denn zu diesem Zeitpunkt habe ich den DVD-Spieler gestoppt und für mich einen Schlusstrich unter den Terminator gezogen. Das würde niemand so gut hinkriegen wie Cameron und mit dem Kram würde man wohl in Zukunft (kleines Wortspiel) nichts mehr anfangen können. Doch dann kamen die Trailer für Teil 4 „Terminator Salvation“, und der scheint nun dann doch wieder ein guter Film werden zu können. Also ein Grund, „Terminator S.C.C.“ eine faire Chance zu geben. Demnach gekauft, runtergeladen und geschaut.

Schon gesehen: Die Pilotfolge von „Terminator S.C.C.“

Die folgende Rezension ist im Rahmen der Möglichkeiten übrigens frei von Spoilern. Sie bezieht sich, wie erwähnt, auf das amerikanische Original. Es ist jedoch nicht zu erwarten, dass die deutsche Version anders sein wird. Nur leider in deutsch. Aber das ist ein anderes Thema.

Das Setting der Serie ist folgende: „Sarah Connor Chronicles“ beginnt zwischen den Filmen 2 und 3. Sarah Connor lebt noch und hat nur im Sinn, ihren Sohn John – einen hübschen Bengel im Teenager-Alter – zu beschützen. Um ihre Tarnung aufrecht zu halten, ziehen die beiden in kurzen Abständen von einem amerikanischen Kaff ins nächste. Stets auf der Flucht vor Terminatoren, die  vor allem John aus bekannten Gründen an den Kragen wollen. Immer wieder gelingt es der Mutter den Sohn zu retten. Doch bereits nach wenigen Minuten der Serie ist dem Zuschauer klar, was Sarah, einmal mehr entkommen, ausspricht: „No one is ever save!“ Und so ziehen sie erneut weiter in eine temporäre Sicherheit und auch die Story schwingt vom ersten Aspekt „Tochter/Sohn-Beziehung unter erschwerten Bedingungen“ hin in ein „Beverly Hills 90210“-Setting an einer High-School, auf der John die niedliche (Hach!) Cameron kennenlernt. Ein scheues „What’s your name?“ am dem Schulflur scheint wie der Beginn einer zarten Liebe. Für einen Moment scheint normales Leben möglich. Doch dann passiert den Schülern das furchtbarste, was einem Schüler widerfahren kann: Der Lehrer betritt den Raum und bald ist es mit der Romanze vorbei. Denn … Nein, mehr will ich nicht verraten.

Aber ehrlich sein will ich: „S.C.C.“ braucht gute 20 Minuten, um in Fahrt zu kommen. Alles was einem zu Beginn geboten wird, erscheint bald wie eine Fernsehversion der bereits zur Erschöpfung auserzählten Ereignisse aus den Filmen: Jemand flieht, wird von einem Terminator gejagt, vieles explodiert, alles wird gut. Nur eben in sehr kurz erzählt und nicht ganz so perfekt in Szene gesetzt. Ich war kurz skeptisch, ob das was werden kann.

Doch dann, nach diesem etwas holprigen Start, kommt langsam Pfeffer aufs Brot. Die Protagonisten schälen sich langsam heraus und das Hauptensemble der drei Gejagten macht einen prima Job in dem es der Oberfläche Kontur und Charakter gibt.

Entdecke die Schauspielhoffnungen Dekker und Glau

Zum einen ist da der einsame Teenager John Connor, der nichts sehnlicher möchte, als ein ganz normaler Junge sein zu dürfen. Ihn spielt Thomas Dekker. Ein wundervoll talentierte Jungschauspieler, der mir bereits in Heroes aufgefallen war. Dort spielte er in Staffel 1 den Jungen Zach, den Schul-Freund der Cheerleaderin Claire. Dekker bringt in „S.C.C.“ durch sein zurückhaltendes Spiel, geparrt mit der Wut des heranwachsenden  John Connor eine Melancholie in Mimik und Gestik mit, die treffender nicht sein könnte. Eine echte Entdeckung und jemand, den man gerne häufiger in Film und Fernsehen sehen möchte. Vielleicht der Ethan Hawke einer neuen Generation. Man möchte es ihm und den Teenies von heute wünschen.

Johns Mutter Sarah Connor, Namenspatronin der Serie und auf amerikanischen Plakaten als „Mother of Destiny“ verehrt, wird natürlich nicht von Linda Hamilton gespielt – die ist mittlerweile stolze 52. Ihren Part übernimmt (die äußerst attraktive) Lena Headey. Einigen eventuell bekannt aus der Comic-Verfilmung „300“. Headey macht ihren Job ähnlich hervorragend wie Dekker. Sie bringt dabei zwar nicht ganz die Entschlossenheit ihrer Vorgängerin Hamilton aus „Terminator 2“ herüber. Macht diesen Mangel jedoch durch andere Aspekte wie die ordentlich gespielte manische Beziehung zu John wieder wett.

Zu guter letzt ist da noch ein Juwel: Die niedliche Cameron Philips, die Freundin von John Connor. Und wenn ich vor einiger Zeit in einem Magazin laß, dass sie und damit ihre Schauspielerin Summer Glau der heimliche Star der Serie sind, kann ich das nur glauben. Denn selten hat ein so zierliches Wesen so eine Härte und Geradlinigkeit an den Tag gelegt, wie Glau das in diesen ersten hektischen 45 Minuten von „Sarah Connor Chronicles“ tut. Das ist ein perfekter inszenierter Widerspruch, der toll anzuschauen ist und viel Spaß macht. Klasse.

Thomas Dekker und Summer Glau auf der WonderCon 2008 in San Diego (Foto: mhuang, Lizenz)

Was gibt es noch zu sagen?

Sieht man über einige Unzulänglichkeiten hinweg (In einer Szene verbarrikadiert sich Sarah erfolgreich hinter einem Ohrensessel, der mehrere gezielte Schüsse aus einer Pistole abhält.) bleibt am Ende erstklassige Fernsehunterhaltung übrig. Besonders das Finale des Piloten, der Schluss-Monolog und irgendwie vor allem die letzte Einstellung von Cameron, wie sie durch die Tür geht machen neugierig auf weitere Folgen und ich freue mich neben LOST – das am selben Abend direkt im Anschluss in einer neuen Staffel läuft und wozu Mischa bald ein paar Infos hat – auf ein neues Serien-Highlight auf PRO7.

Natürlich bleibt abzuwarten, ob die Macher von „S.C.C.“ die Chance nutzen, die ihnen das prinzipielle „Terminator“-Franchise bietet und sie nicht der Versuchung obliegen, einfach eine „Maus & Katze“-Geschichte nach der anderen zu erzählen. Das Setting haben sie jedenfalls, die Charaktere sowieso und dass es an den Schauspielern scheitern wird, kann ich nicht glauben. Also: Vergessen wir „Terminator 3“ – jeder kann mal einen Fehler machen – und geben wir der Zukunft eine Chance.

„Terminator S.C.C“ ist ganz klar: Eine Blogboys-Empfehlung.

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Keine Sorge: Für alle, die Spaß an Filmen haben und auch in der Jahresmitte Zeit auf keinen Fall Listen missen möchten, habe ich einen wundervollen Surftipp:

The Den of Geek List of Lists

Guten Start in die erste richtige 2009er Woche von mir.

Blöd: Wieder arbeiten.

Toll: Wieder mehr Zeit am Rechner und damit: zu bloggen.

„The Dark Knight“ … noch mal gesehen

Nachdem ich im Sommer mit einer gehörigen Portion Trotz ob der total überflüssigen Verrisse von Nolans „The Dark Knight“ eine Jubelarie losgeworden bin, habe ich ihn mir nun noch einmal in eine Wolldecke gekuschelt auf dem Sofa angesehen und gesehen was mir doch nicht so gut gefällt. Das hier also in Ergänzung der oben erwähnten Lobpreisung:

Was an „The Dark Knight“ nicht so gut ist:

Die Mafia. Ich meine: Hallo: DIE MAFIA! Was in anderen Filmen als die schwersten der schweren Jungs portraitiert wird verkommt in „The Dark Knight“ zu einer Selbsthilfegruppe Kleinkrimineller auf Sinnsuche. Welchen Betonblock Nolan hier an seinen Füßenin seinem Kopf hatte, lässt sich nur schwer erahnen. Eventuell gedachte er eben genau dem Umstand, dass andere Epen wie Der Pate, Scarface oder Good Fellows den Begriff „Mafia“ so klar herausgestellt haben, dass er diesen Begriff nur erwähnen muss und alle würden in Furcht erstarren.Tut aber keiner. Und so erscheint die Mafia in „The Dark Knight“ nicht bedrohlicher als die „Judäische Volksfront“ oder „Die Volksfront von Judäa“. Was im Fortgang auch bedeutet: Ein so gefährliches Pflaster ist Gotham gar nicht, wie es die ganze Zeit von den Protagonisten herunter gebetet wird. Hier fehlt tatsächlich der dystopische Effekt, der von vielen so schmerzlich vermisst wird.

Und wenn es mal einen Directors Cut geben sollte: Bitte den Sub-Plot mit Honk Kong streichen. Blöd.

Ansonsten weiterhin perfektes Popcorn-Kino, dass mich einmal mehr wunderbar unterhalten hat und das auch noch öfter tun wird. Ich möchte noch einmal sagen, dass jeder, der aus diesem Film ein Meisterwerk der Filmkunst machen möchte, ihn bitte zuerst in die richtige Ecke stellen möchte. Es ist kein Jahrhundertfilm. Das war Tim Burtons Batman. Es ist ein Jahrzehnt-Film. Nur, aber immerhin.

Das war mir vor zwei Wochen 8,75 Euro bei Amazon wert. Mindestens. (Huch: Kostet jetzt auf einmal 17,95 Euro. Da bin ich aber froh, direkt zugeschlagen zu haben.)

Das war’s wohl mit Batman!?

Bei Panini Comics werden sie nicht müde, ihre in Kürze startende Batman-Serie „Batman R.I.P.“ dann jedoch als Jahrhundert-Ereignis anzukündigen. Geht es scheinbarvermutlichsicherlich nicht um weniger, als das Ende von Batman – zumindest, wie wir ihn kennen. So schreiben sie in der Panini-Vorschau 23:

„In einer der monumentalsten Erzählungen der Batman-Comic-Geschichte zeigt Autor Grant Morrison, was er kann. Und am Ende wird sich die Welt von Batman für immer verändert haben!“

Ich will zugeben, dass mir Grant Morrison bislang kein Begriff ist. Aber wenn er vom Brancheninformationsdienst „Comic Book Resources“ zum zweitbesten Comic-Autor aller Zeiten hinter Alan Moore (Ja, Alan „Watchmen und Killing Joke“ Moore“) gewählt wurde: Ey, ich bin gespannt! (Quelle: Klar: Wikipedia)

Teil 1 der „Batman R.I.P.”-Reihe erscheint am 10. Februar 2009 zum Preis von 4,95 Euro in Band 26 der regulären Batman-Serie bei Panini. Ich bin jedenfalls froh, dort jetzt schon ein Batman-Abo zu haben und so die Hefte immer druckfrisch im Briefkasten liegen zu haben. Vorher erscheint übrigens noch Band 25 mit dem Prolog zu „Batman R.I.P.“

Wer also nicht nur Spaß an Popcorn-Kino sondern auch an Popcorn-Comics hat, dem rate ich: Einsteigen. Die Fahrt geht bald los.

(Schönen Content zu „Batman R.I.P.” mit ein wenig Spoiler – wer das nicht will, hier aufhören – gibt es auch bei io9: Meet the new Batman – Um, Batmen?) (via Nerdcore)

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„Da passt es im allgemeinen Kuddelmuddel schon wieder vorzüglich, dass der vermeintlich smarteste Fürsprecher der Humanität ausgerechnet von John Cleese gespielt wird. Sein Superwissenschaftler, irgendwo zwischen Einstein und Professor Hastig aus der Sesamstraße angesiedelt, bringt Klaatu mit ein paar Kalenderweisheiten derart ins Grübeln, dass man nicht nur am Verstand dieser Welt, sondern auch an der Intelligenz der Aliens zweifeln muss.”

Und auch, wenn der Lars mal sehr treffend auf die Frage meines Bruders antwortete ob „Hulk“ wohl gut sei antwortet: „Bist du blöd? Jennifer Connelly spielt da mit. Natürlich ist der gut.“ (das muss Liebe sein. Hulk. Oh Mann.) scheint nicht einmal die wundervolle Jennifer diesen Film retten zu können.

„Auch die zuletzt unfehlbare Jennifer Connelly, die ob ihrer Großartigkeit eigentlich gar nichts falsch machen kann, haut hier mal so richtig daneben und beschränkt ihre schauspielerische Leistung darauf, dem zaudernden Radikalsanierer Klaatu waidwunde Blicke zuzuwerfen.”

(Wer im übrigen einen wirklich tollen Film mit Jennifer Connelly sehen will, muss sich „Blood Diamond“ (Amazon-Link) ansehen. Nein, das ist keine Neuauflage von „Quartermain“, sondern eine mitreißende Melange aus „Hotel Ruanda“ und „Jäger des verlorenen Schatzes“. Ich weiß, die These ist gewagt!)

Jedenfalls, hier der Artikel „Apokalypse mit doofem Alien“ auf Spiegel Online.

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Wer morgen abend, 20 Uhr (pünktlich!) dabei sein möchte, wenn Schmitti zur Sneak Preview im Cinemaxx ruft, der schreibe uns bis heute abend, 23.59 Uhr, eine E-Mail. Mitmachen, Losglück haben, dabei sein!

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Wer Comics liebt, kennt dieses Meisterwerk. Wer sich für Comics interessiert, sollte es nicht verpasst haben. Ausführliche Infos natürlich in der Wikipedia. (Ich verlinke bewusst auf den deutlich ausführlicheren englischen Artikel. Einen deutschen gibt es natürlich auch.)

Nun kommt am 5. März 2009 die Verfilmung in die deutschen Kinos (Offizielle Website) und wird, wie annodazumal „Herr der Ringe“, Scharen von Nerds und Geeks aus ihren Kellerverliesen in die Lichtspielhäuser treiben. Mich auch. Alle bisherigen Trailer lassen vermuten: Zurecht. Denn wie beim „Herr der Ringe“ wurde auch hier viel Liebe ins Detail gesteckt – um einem Meilenstein der Comic-Historie eine würdige Verfilmung folgen zu lassen. Ach, ich bin wirklich gespannt, was von der Komplexität der Handlung bleiben wird. Überhaupt ist der Comic mit seinem fast durchgängig starren Panel-Layout von 4 x 4 Panels nahezu prädestiniert für eine Verfilmung. Sicherlich mit Änderungen. Aber ein Film ist ein Film und kein Comic und muss anderen Gegebenheiten Rechnung tragen. (Achtung Spoiler. Wer das Comic nicht kennt, erst im nächsten Absatz weiterlesen: Schon jetzt ist es offiziell: Die Szene mit der Riesenkrake zum Schluss der Geschichte, die dazu führt, dass die Menschheit zusammenrückt, entfällt. Wie das gelöst wird, ist noch nicht bekannt. Da es sich jedoch um eine Schlüsselszene handelt, kann man sie nicht ersatzlos streichen.)

Nun jedenfalls gibt es den neuesten Trailer endlich in HD-Qualität fernab von YouTube. Und der Trailer verspricht einen wundervollen Kino-Abend. (An alle Kulturpessimisten, die es sich nicht nehmen ließen „The Dark Knight“ in so hohe Sphären zu hieven, dass er nur verrissen werden konnte: Ich reden von einem wundervollen Kino-Abend. Nicht von einer Kulturrevolution. Ich erwarte gute Unterhaltung, kein Sozialdrama! Jedenfalls wird dieser Film – sehr sicher – nicht im Lichtwerk laufen. „Popcorn-Kino“ ist das Wort. Exzellentes „Popcorn-Kino”.)

„Watchmen”-Trailer bei Apple anschauen

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Und so, wie ein unheilbar Geisteskranker lernen muss, mit seinem Wahnsinn zu leben, so habe auch ich irgendwann entschieden, mich dem „Amerikaner“ in mir hinzugeben. Denn neben dem Zwang, die englische Sprache kaputt zu nuscheln und seine Putzfrau wegen sexueller Belästigung zu verklagen, weil sie den Schrubber so ungehörig anfasst, gibt es vieles Gutes in Übersee: New York, Rockmusik und Kirsten Dunst. BigMacs, Apple und Poetry Slam.

Meim Blick von World Trade Center auf die Freiheitsstatue, 1999

Im Ernst: Ich liebe den „American way of life.” Was mir an Amerika immer wieder imponiert, ist der Zusammenhalt seiner Bürger. In Zeiten, in denen es knüppeldicke kommt. Zum Beispiel jüngst: Der Massenansturm bei der Präsidenten-Wahl. Dieser Moment, in dem es vielleicht gar nicht darum ging, Barack Obama zu wählen, sondern darum, das System „Bush und Co.” – die schlimmste politische Katastrophe die das Land seit Nixon erleben musste – abzuwählen. Ganz gleich, was über dieses Land hereinbricht, am Ende stehen sie zusammen wie eins und steuern die Schrottkarre doch noch durch die Kurve. Sie mögen dabei in ihrer Moral häufig bigott sein. Sie mögen manchesmal Wasser predigen und Wein saufen. Sie mögen in ihren Alleingängen arrogant wirken. Aber so ist dieses Land entstanden. Aus Abschottung und Zusammenhalt. Und so hält es sich am Leben. Der einzige Krieg, der jemals auf ihrem Staatsgebiet stattgefunden hat, den mussten sie aus diesem Grund wohl auch mit sich selbst haben.

Bill Clinton und ich in der New Yorker U-Bahn, 1999

Diese Gedanken sind mir in den vergangenen Tagen gekommen. Nicht nur wegen der Wahl und dem deutschen Umgang damit: Erst Obama herbeisehnen. Und wenn er dann da ist zu sagen: Naja, so toll ist er aber auch nicht.

Sondern auch während eines ausschweifenden Medienkonsums in der vergangenen Woche. Da habe ich bei der Arbeit mal keine Musik gehört, sondern nebenher Filme geschaut. Und weil ich, wie die Jungfrau zum Kinde, an einen Zugang zum amerikanischen iTunes-Store gekommen bin, füttere ich zur Zeit mein Medienmonster ausschließlich mit angloamerikanischen Popcorn. Neben der – wirklich herausragenden – Fernsehserie „Heroes“, die ich so bereits in Staffel 3 schauen kann, habe ich mir noch einige Filme gekauft. Unter anderem Ridley Scotts „Black Hawk Down“ (Amazon-Link). Das ist Krieg.  Uramerikanisch. Und auch nur als „Amerikaner“ oder „hemmungslos amerikanisierter Westdeutscher“ zu verstehen.

„Black Hawk Down“ erzählt die Geschichte der „Schlacht um Mogadischu“ von 1993. Dort geriet die von Rangern und Delta Force durchgeführte „Operation Irene“ bei ihrem Versuch, den somalischen Clanführer Aidid in Mogadischu zu verhaften, auf Grund einer Kette unglücklicher Zwischenfälle und Umstände in einen erbitterten und mehr als einen Tag und eine Nacht dauernden Kampf mit somalischen Milizen. Dabei waren die Soldaten in der Stadt weitestgehend auf sich gestellt und mussten große Verluste hinnehmen. Sowohl Luftunterstützung als auch gepanzerte Fahrzeuge zur Bergung der eingeschlossenen Soldaten standen schlicht nicht zur Verfügung. Die Politik in Washington hatte ein Blutbad befürchtet, würden sie mit Panzern in die Stadt vordringen. Nun hatten sie zwar keine Panzer, aber ein Blutbad. Darin baden mussten das nur nicht die Oberen, sondern die Soldaten.

Ridley Scott hat diese Ereignisse vom 3. Oktober 1993 in seinem Film „Black Hawk Down“ verarbeitet. Natürlich wirft  das deutsche „Lexikon des internationalen Films“ Scott folgendes vor:

„Außer dem minutiös und realistisch nachgezeichneten Schlachtgetümmel bietet der in Zusammenarbeit mit der US-Army entstandene Film kaum Informationen. Erst recht bezieht er keine Position zur gescheiterten UNO-Friedensmission.” Lexikon des internationalen Films, Quelle: Wikipedia

Das kann man so sehen. Wenn man es aus der deutschen Perspektive betrachtet in der es stets darum gehen muss, den Zeigefinger zu heben und zu mahnen. Natürlich kann man den Film aus einer geopolitischen Sichtweise angehen und hinterfragen, aus welchen Voraussetzungen diese Situation entstehen konnten und welche langfristigen Konsequenzen es hatte. Ganz klar gibt es äußerst kritische Momente im Handeln der amerikanischen Politik.

Wenn wir jedoch genau diese Politik außen vor lassen, wird ein großartiger Film draus. Wenn man „Black Hawk Down“ aus der Sicht des einzelnen Soldaten betrachtet, der in diesem Wahnsinn gefangen ist. Denn wer genau hinsieht, wird erkennen, dass es Scott vermutlich um diesen Aspekt der Geschehnisse ging. Immer wieder werden die Soldaten als Persönlichkeiten gezeichnet. Wie aus einem großen, unübersichtlichen Mosaik werden sie wie Steine herausgenommen, kurz betrachtet und wieder in das Bild eingefügt. In dem, was sie sagen. In dem, was sie tun. So wird klar, dass die dort gezeigten Ereignisse nicht dem Staat Amerika zustossen, sondern einzelnen, einfachen Soldaten. Oder wie es der von Eric Bana gespielte „Hoot“ zum Schluss zu „Eversman“ (Josh Hartnett) sagt:

„When I get home and people ask me,’Hey, Hoot, why do you do it, man? What are you? Some kind of war junkie? I won’t say a goddamn word. Why? They won’t understand. They won’t understand why we do it. They won’t understand that it’s about the men next to you. And that’s it. That’s all it is.“ Hoot (Eric Bana), Black Hawk Down

Natürlich ist es ein leichtes, dem Film mangelnde Differenzierung gegenüber der somalischen Position, dem einzelnen Milizionär vorzuweisen. Tatsächlich werden die „Skinnies“, wie die Somalis von den Soldaten bezeichnet werden, in keinster Weise charakteresiert. In kurzen Sequenzen versucht Scott zwar auch hier zu zeigen, dass es um Einzelschicksale geht. Als beispielsweise ein Somali beim „Versuch“ einen amerikanischen Soldaten zu töten versehentlich ein Familienmitglied tötet. Zu mehr reicht es nicht. Denn man darf bei solch einer Kritik nicht vergessen, dass ein Film nur ein bestimmte Zeitspanne zur Verfügung hat, eine Geschichte zu erzählen und nicht jeder Regisseur den Aufwand in Kauf nimmt, den Clint Eastwood betrieben hat, als er die Schlacht um Iwo Jima im 2. Weltkrieg einmal aus Sicht der Amerikaner – „Flags of our Fathers“ – und einmal aus japanischer Betrachtung – „Letters from Iwo Jima“ (Amazon-Link) – schilderte. Wobei der letztere tatsächlich der Bessere ist.

So müssen die „Skinnies“ als Metapher herhalten. Als ein wütendes Volk, das als Spielball zwischen UNO, dem Amerikanern und den Führern in Somalia genutzt wird. Lediglich zweimal kommen die Somalis wirklich zu Wort. Wenn es darum geht dem Zuschauer zu erklären, dass die Dinge die dort geschehen, den Lauf der Geschichte ändern werden. So sagt ein Mr. Atto zu Beginn in einem Gespräch mit dem amerikanischen General Garrison:

„Don’t make the mistake of thinking because I grew up without running water I am simple General. I do know something about history. See all this? It’s simply shaping tomorrow. A tomorrow without a lot of Arkansas white-boys’ ideas in it.” Mr. Atto, Black Hawk Down

Und was ist mit der ganzen Rockmusik und den Sonnenuntergängen im Film? Dem Pathos undr Kitsch? Wer das an Ridley Scott kritisiert, sollte keinen Ridley Scott-Film schauen. Scott war schon immer für das „große Bild“. Und wer so argumentiert, der hat nicht genau hingeschaut. Natürlich beginnt der Film mit „Boooah! Geil!”-Bildern von Hubschraubern, Sonnenuntergängen und Rockmusik-Untermalung, wie es in der Miltiär-Schomzette „Top Gun“ nicht besser sein könnte. Wer weiß, wie man Geschichten erzählt, der weiß, dass man zur Darstellung des Hässlichen zuerst das Gegenteil – Schönheit – darstellen muss. Das manchmal ein Wimpernschlag genügt, das Kartenhaus in dem man sitzt einstürzen zu lassen. Und so bricht diese ganze „Leichtigkeit“ und „Schönheit“ des Krieges – das Herumalbern großer Jungs in der Sicherheit ihres eigenen Camps, ihrer Festung, dieses „Räuber und Gendarme“ auf hohem Niveau – genau in dem Moment zusammen, als der unerfahrene Soldat Blackburn, beim Versuch sich abzuseilen, aus dem Helikopter stürtzt, so die minutiös geplante Mission durcheinanderbring und die Katastrophe damit ihren Anfang nimmt.

Von da an übernimmt Ridley Scott die Rolle des Beobachters, der den Kampf darstellt ohne in zu bewerten. Immer wieder wechselt die Kamera in die Subjektive. Von hinter einem Verschlag. Aus der Luft. Wenn überhaupt, zeigt er die Hilflosigkeit der Amerikaner inmitten des Chaos, das sie beschworen haben, das die Somalis nun beherrschen. Dieselben Amerikaner, die eben noch so „Rock’n'Roll“, so siegeesicher durch deren Land donnerten. Das ist dann kein Pathos mehr. Vor allem kein Kitsch. Das ist reinstes Drama. Eine Tragödie aus Tod und Opfern und Schicksalen und allem was dazu gehört. Wenn man sich dann noch vor Augen führt, dass „Black Hawk Down“ ein auf Tatsachen beruhender Film ist und dass es diese Jungs, die da um ihr Leben rennen und schießen, das das gezeigte wirklich erlebt haben, ist man „bei ihnen“ und will auch nur überleben. (Um es in die Realität zu rücken: Hier ist ein kurzer BBC-Clip auf YouTube, in dem der Redakteuer Simon Reeve einige der Original-Schauplätze zeigt: The real Black Hawk Down.)

Und so ist man bei jedem einzelnen der Soldaten. Weil nicht jeder von ihnen am Ende gut heißt, was geschehen ist. Weil jeder einzelne nicht nur seine Haut, sondern auch die seiner „Kameraden“ retten will. Und der weiß, dass er das nur tun kann, wenn er sich auf den „Typen an seiner Seite“ verlassen kann. Und trotzdem obsiegt Amerika zum Ende der Schlacht nicht gegen die Übermacht an Milizen. Ganz im Gegenteil. Sie müssen sich geschlagen geben, demütigen lassen und fortrennen. Es gibt keinen Grund zu triumphieren. Nur dem Anderen zu danken. Dem, der mit dir gekämpft hat.

Und das ist es, was ich an Amerika mag. Nich den Kampf. Sondern, dass sie im Triumph beieinander stehen. Und in der Niederlage noch enger zusammenrücken.

(Das die Amerikaner in der Betrachtung noch eine ganz andere Sicht auf den „Krieg“ haben, spielt sicherlich auch eine Rolle. Aber das will ich hier gar nicht weiter erläutern. Wer das verstehen möchte, sollte sich auch einen Zugang zu amerikanischen iTunes-Store besorgen (Gutscheine kann man sich bei eBay ersteigern.) und sich mal eine Folge der Serie „War Heroes“ (iTunes-Link) ansehen. Nicht, um das auch so zu sehen. Das ist schon durch die amerikanische Brille erzählt. Man ist ja nicht doof. Sondern vielleicht um Amerika zu verstehen. Die Brille mal aufzusetzen. Man kann sie ja auch wieder abnehmen. Man ist ja erwachsen.)

Und wir?

So scheint für mich der Aufschrei des „Deutschen“, wenn sich die Amerikaner einmal mehr auf ihre selbstbewusste Brust hämmern, nicht immer Kritik an der amerikanischen Identität, sondern vielmehr das Wehklagen ob des Mangels der eigenen Identität. Und ihre Häme gegenüber einer Jugend, die sich danach sehnt, in einem hohe Maße arrogant. Man mag ihr, der Jugend, vorwerfen, damit indifferent umzugehen. Aber immerhin ist bei ihnen die Welt-Politik ins Kinderzimmer eingezogen. Bei uns hingen Poster von Kajagoogoo.

Ey! Es ist doch ein Anfang. Lasst uns mit ihnen zusammenrücken, anstatt sie auszulachen.

Feuer frei!

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